Art Déco

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Art Déco é um estilo de artes visuais, arquitetura e design que apareceu pela primeira vez na França pouco antes da Primeira Guerra Mundial. Influenciou o design de edifícios, móveis, jóias, moda, cinemas, artes gráficas, carros, trens, transatlânticos e objetos do cotidiano, como rádios e aspiradores de pó.

O Art Deco foi o primeiro estilo verdadeiramente internacional, e seu domínio terminou com o início da Segunda Guerra Mundial e ascensão dos estilos estritamente funcionais e sem adornos da arquitetura moderna e do International Style de arquitetura que se seguiu.

Recebeu este nome como uma abreviação do termo Arts Décoratifs, da Exposição Internacional de Artes Decorativas e Industriais Modernos, realizada em Paris em 1925. Combinou estilos estéticos inovadores para a época, considerados modernos, com artesanato fino e materiais ricos. Durante seu auge, o Art Deco representou luxo, glamour, exuberância e fé no progresso social e tecnológico.

O Art Déco foi sem dúvida um estilo que iconizou o que pode ser considerado o auge estético já alcançado pela Arquitetura. Foi um pensamento arquitetônico que conseguiu se desvencilhar da linha clássica e barroca, mantendo porém a devida consideração a ornamentação, uma ornamentação original, ora mais orgânica, ora mais geométrica, sem se deixar dominar pelo viés estritamente funcionalista e monótono do modernismo.

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Art Déco era constituído de muitos estilos diferentes, às vezes contraditórios, unidos pelo desejo de expressarem modernidade. Herdeiro dos movimentos Arts and Crafts e Art Nouveau, o Art Deco foi também influenciado pelas ousadas formas geométricas do cubismo e pela Secessão de Viena; as cores vivas do fauvismo e dos balés russos; o artesanato atualizado dos móveis das épocas de Luís Filipe I e Luís XVI; e os estilos exóticos da China e Japão, Índia, Pérsia, Egito antigo e arte maia. Apresentava materiais raros e caros, como ébano e marfim, e artesanato requintado. O Chrysler Building e outros arranha-céus de Nova York construídos nas décadas de 1920 e 1930 se tornaram monumentos clássicos do Art Deco.

Na década de 1930, durante a Grande Depressão, o Art Deco se tornou mais moderado, apesar da chegada de novos materiais, incluindo cromagem, aço inoxidável e plástico. Uma forma mais elegante do estilo, chamada Streamline Moderne, apareceu neste período apresentando formas curvas e superfícies polidas e lisas, ornamentadas com linhas.

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O Nome Art Déco

Art Deco recebeu esse nome como uma abreviação de artes decorativas, da Exposição Internacional de Artes Decorativas e Industriais Modernas, realizada em Paris em 1925, embora diversos estilos que caracterizariam o Art Deco já tivessem aparecido pela Europa antes da Primeira Guerra Mundial.

O termo artes decorativas foi usado pela primeira vez na França em 1858; publicado no Boletim da Sociedade Francesa de Fotografia. Em 1868, o jornal Le Figaro usou o termo objets d’art décoratifs com relação a objetos para cenários criados para o Théâtre de l’Opéra. Em 1875, designers de móveis, têxteis, joias e designers de vidro e outros artesãos receberam oficialmente o status de artistas pelo governo francês. Em resposta a isso, a École royale gratuite de dessin (Escola Real Livre de Design), fundada em 1766 sob o rei Luís XVI para treinar artistas e artesãos em artesanato relacionado às artes plásticas, foi renomeada como École nationale des arts décoratifs (Escola Nacional Artes Decorativas).

Durante a Exposição de 1925, o arquiteto Le Corbusier escreveu uma série de artigos sobre a exposição para sua revista L’Esprit Nouveau, sob o título “EXPO 1925. ARTS. DÉCO.”, que foram combinados em um livro, L’art décoratif d ‘ aujourd’hui (Arte decorativa de hoje). O livro foi um ataque irônico aos excessos dos objetos coloridos e luxuosos da Exposição; e na idéia de que objetos práticos, como móveis, não devem ter decoração alguma; sua conclusão foi que “a decoração moderna não tem decoração”.

Fato curioso é que o termo hoje muito conhecido Art Déco não apareceu impresso até 1966, quando apareceu no título da primeira exposição moderna sobre o assunto, realizada pelo Museu de Artes Decorativas de Paris, Les Années 25: Art déco, Bauhaus, Stijl, Esprit Nouveau, que cobriu a variedade dos principais estilos nas décadas de 1920 e 1930. O termo art déco foi então usado em um artigo de jornal de 1966 de Hillary Gelson no The Times (Londres, 12 de novembro), descrevendo os diferentes estilos da exposição.

O Art Deco ganhou valor como estilo amplamente aplicado em 1968, quando o historiador Bevis Hillier publicou o primeiro grande livro acadêmico sobre o estilo: Art Deco dos anos 20 e 30. Hillier observou que o termo já estava sendo usado pelos vendedores de arte e cita The Times (2 de novembro de 1966) e um ensaio chamado Les Arts Déco na revista Elle (novembro de 1967) como exemplos de uso anterior. Em 1971, Hillier organizou uma exposição no Instituto de Artes de Minneapolis, que ele detalha em seu livro sobre o assunto, O Mundo do Art Deco.

Origens do Art Déco

Sociedade de Artistas Decorativos (1901–1913)

O surgimento do Art Deco estava intimamente ligado ao aumento do status dos artistas decorativos, que até o final do século XIX eram considerados simplesmente artesãos. O termo artes decorativas foi inventado em 1875, dando aos designers de móveis, têxteis e outras formas de decoração status oficial.

A Société des artistes décorateurs (Sociedade de Artistas Decorativos), ou SAD, foi fundada em 1901, e os artistas decorativos receberam os mesmos direitos de autor que os pintores e escultores. Um movimento semelhante desenvolvido na Itália.

A primeira exposição internacional dedicada inteiramente às artes decorativas, a Esposizione Internazionale d’Arte Decorativa Moderna, foi realizada em Turim em 1902. Várias novas revistas dedicadas às artes decorativas foram fundadas em Paris, incluindo Arts et décoration e L’Art décoratif moderne.

As seções de artes decorativas foram introduzidas nos salões anuais da Sociéte des artistes français e, posteriormente, no Salon d’Automne. O nacionalismo francês também desempenhou um papel no ressurgimento das artes decorativas; Os designers franceses se sentiram desafiados pelas crescentes exportações de móveis alemães mais baratos.

Em 1911, o SAD propôs a realização de uma nova grande exposição internacional de artes decorativas em 1912. Nenhuma cópia de estilos antigos era permitida; apenas obras modernas. A exposição foi adiada até 1914, então, por causa da guerra, adiada para 1925, quando deu seu nome a toda a família de estilos conhecidos como “Déco”.

As lojas de departamentos parisienses e os estilistas também tiveram um papel importante na ascensão do Art Deco. Empresas estabelecidas como a empresa de talheres Christofle, o designer de vidro René Lalique e os joalheiros Louis Cartier e Boucheron começaram a projetar produtos em estilos mais modernos. A partir de 1900, as lojas de departamento recrutaram artistas decorativos para trabalhar em seus estúdios de design.

A decoração do Salon d’Automne de 1912 havia sido confiada à loja de departamentos Printemps. Durante o mesmo ano, a Printemps criou sua própria oficina chamada Primavera. Em 1920, Primavera empregava mais de trezentos artistas. Os estilos variaram entre as versões atualizadas dos móveis Louis XIV, Louis XVI e, especialmente, Louis Philippe fabricados por Louis Süe junto a oficina Primavera, até formas mais modernas da oficina da loja de departamentos Au Louvre. Outros designers, incluindo Émile-Jacques Ruhlmann e Paul Foliot, recusaram-se a usar a produção em massa e insistiram que cada peça fosse feita individualmente à mão.

O estilo Art Deco inicial apresentava materiais luxuosos e exóticos, como ébano, marfim e seda, cores muito brilhantes e motivos estilizados, principalmente cestas e buquês de flores de todas as cores, dando uma aparência modernista.

Influência da Secessão de Viena e da Wiener Werkstätte (1905–1911)

Os arquitetos da Secessão de Viena (formada em 1897), especialmente Josef Hoffmann, tiveram uma influência notável no Art Deco. Seu Palácio Stoclet, em Bruxelas (1905–1911), era um protótipo do estilo Art Deco, apresentando volumes geométricos, simetria, linhas retas, concreto coberto com placas de mármore, ornamentos finamente esculpidos e interiores luxuosos, incluindo frisos em mosaico de Gustav Klimt. Hoffmann também foi fundador da Wiener Werkstätte (1903-1932), uma associação de artesãos e designers de interiores que trabalhavam no novo estilo. Esse se tornou o modelo da Compagnie des arts français, criada em 1919, que reuniu André Mare e Louis Süe, os primeiros designers e decoradores franceses Art Deco.

Novos materiais e tecnologias

Novos materiais e tecnologias, especialmente concreto armado na arquitetura, foram fundamentais para o desenvolvimento e a aparência do Art Deco. A primeira casa de concreto foi construída em 1853 nos subúrbios de Paris por François Coignet.

Em 1877, Joseph Monier introduziu a idéia de fortalecer o concreto com uma malha de barras de ferro em um padrão de grade.

Em 1893, Auguste Perret construiu a primeira garagem de concreto em Paris, depois o primeiro prédio moderno de apartamentos em concreto armado em Paris, na rue Benjamin Franklin, em 1903–04, e em 1913, o Théâtre des Champs-Élysées o qual foi o primeiro edifício Art Deco concluído em Paris. O teatro foi avaliado por um crítico como o “Zeppelin da Avenue Montaigne”, uma suposta influência germânica, copiada da Secessão de Viena.

A decoração do teatro também foi revolucionária; a fachada foi decorada com altos relevos por Antoine Bourdelle, uma cúpula de Maurice Denis, pinturas de Édouard Vuillard e uma cortina Art Déco de Ker-Xavier Roussel.

O teatro ficou famoso como palco de muitas das primeiras apresentações dos Ballets Russes. Perret e Sauvage se tornaram os principais arquitetos Art Deco em Paris na década de 1920.

O edifício de Perret tinha uma forma retangular limpa, decoração geométrica e linhas retas, as futuras marcas registradas do Art Deco, e por consequência, do modernismo na arquitetura. Posteriormente, a maioria dos edifícios Art Déco era feita de concreto armado, o que dava maior liberdade de forma e menor necessidade de pilares e colunas de reforço. Perret também foi pioneiro na cobertura do concreto com ladrilhos de cerâmica, tanto para proteção quanto para decoração. Os edifícios de concreto armado de Auguste Perret e Henri Sauvage, e particularmente o Théâtre des Champs-Élysées, ofereciam uma nova forma de construção e decoração que passou a ser copiada em todo o mundo.

Outras novas tecnologias que foram importantes para o Art Deco foram os novos métodos de produção de vidro laminado, que era mais barato e permitia janelas muito maiores e mais fortes, e o alumínio de produção em massa, usado na construção de caixilhos de janelas e, mais tarde, por Corbusier e outros, para móveis leves.

De 1908 a 1910, o arquiteto Le Corbusier aprendeu os usos do concreto armado como desenhista no estúdio de Perret.

Salon d’Automne (1912–1913)

No nascimento entre 1910 e 1914, o Art Deco foi uma explosão de cores, com tons brilhantes e muitas vezes conflitantes, freqüentemente em desenhos florais, apresentados em estofados, tapetes, telas, papéis de parede e tecidos. Resquícios do movimento Art Nouveau. Muitos trabalhos coloridos, incluindo cadeiras e uma mesa de Maurice Dufrêne e um brilhante tapete Gobelin de Paul Follot foram apresentados no décorateurs do Salon des artistes, em 1912.

Em 1912–1913, o designer Adrien Karbowsky fez uma cadeira floral com um design de papagaio para o pavilhão de caça do colecionador de arte Jacques Doucet. Os designers de móveis Louis Süe e André Mare fizeram sua primeira aparição na exposição de 1912, sob o nome de Atelier français, combinando tecidos coloridos com materiais exóticos e caros, incluindo ébano e marfim. Após a Primeira Guerra Mundial, eles se tornaram uma das mais proeminentes empresas francesas de design de interiores, produzindo móveis para os salões e cabines de primeira classe dos transatlânticos franceses.

As cores vivas do Art Deco vieram de muitas fontes, incluindo os cenários exóticos de Léon Bakst para os Ballets Russes, que causaram uma sensação em Paris pouco antes da Primeira Guerra Mundial. Algumas cores foram inspiradas no movimento Fauvismo anterior liderado por Henri Matisse; outros pelo orfismo de pintores como Sonia Delaunay; outros pelo movimento conhecido como Nabis e no trabalho do pintor simbolista Odilon Redon, que projetou telas de lareira e outros objetos decorativos. Cores brilhantes eram uma característica do trabalho do designer de moda Paul Poiret, cujo trabalho influenciou tanto a moda Art Deco quanto o design de interiores.

Influência do Cubismo

O estilo de arte conhecido como cubismo apareceu na França entre 1907 e 1912, influenciando o desenvolvimento do art déco. Os cubistas, sob a influência de Paul Cézanne, estavam interessados ​​na simplificação das formas para seus fundamentos geométricos: o cilindro, a esfera, o cone.

Em 1912, os artistas da Seção d’Or exibiram obras consideravelmente mais acessíveis ao público em geral do que o cubismo analítico de Picasso e Braque. O vocabulário cubista estava pronto para atrair moda, móveis e designers de interiores.

Nos escritos de 1912 de André Vera publicados na revista L’Art décoratif, ele expressou a rejeição das formas Art Nouveau (assimétricas, policromáticas e pitorescas) e apelou a uma simplicidade volontaire, symétrie manifeste, l’ordre et l’harmonie, temas que acabariam se tornando comum no Art Deco; embora o estilo Deco fosse frequentemente extremamente colorido e tudo, menos simples.

Na seção Art Décoratif do Salon d’Automne de 1912, foi exibida uma instalação arquitetônica conhecida como La Maison Cubiste. A fachada foi projetada por Raymond Duchamp-Villon. A decoração da casa foi de André Mare. La Maison Cubiste era uma instalação mobiliada com fachada, escada, corrimão de ferro forjado, quarto e sala de estar – o Salon Bourgeois, onde as pinturas de Albert Gleizes, Jean Metzinger, Marie Laurencin, Marcel Duchamp, Fernand Léger e Roger de La Fresnaye foram expostos. Milhares de espectadores no salão passaram pelo modelo em grande escala.

Outras Influências

Art Deco não era um estilo único, mas um sincretismo de vários movimentos artísticos às vezes, contraditórios. Na arquitetura, o Art Deco foi o sucessor e reação ao Art Nouveau, um estilo que floresceu na Europa entre 1895 e 1900, e também substituiu gradualmente as Beaux-Arts e o Neoclássico predominantes na arquitetura européia e americana.

Em 1905, Eugène Grasset escreveu e publicou Méthode de Composition Ornementale, Éléments Rectilignes, no qual explorava sistematicamente os aspectos decorativos (ornamentais) de elementos geométricos, formas, motivos e suas variações, em contraste com (e como afastamento de) o ondulado estilo Art Nouveau de Hector Guimard, tão popular em Paris alguns anos antes. Grasset enfatizou o princípio de que várias formas geométricas simples, como triângulos e quadrados, são a base de todos os arranjos de composição.

Na decoração, muitos estilos diferentes foram emprestados e usados ​​pelo Art Deco. Incluíam o construtivismo russo e o futurismo italiano, bem como o orfismo, o funcionalismo e o modernismo em geral. O Art Deco também usou as cores conflitantes e os desenhos do fauvismo, notadamente nos trabalhos de Henri Matisse e André Derain, inspirando os desenhos de tecidos art déco, papel de parede e cerâmica pintada. Eles incluíam arte pré-moderna de todo o mundo e observáveis ​​no Museu do Louvre, no Museu do Homme e no Museu Nacional das Artes da África e da Oceania. Foram usadas idéias do vocabulário de alta moda do período, que apresentava desenhos geométricos, divisas, ziguezagues e buquês de flores estilizados. Também havia um interesse popular na arqueologia devido às escavações em Pompéia, Tróia e ao túmulo do faraó Tutancâmon da 18ª dinastia. Artistas e designers integraram motivos do antigo Egito, Mesopotâmia, Grécia, Roma, Ásia, Mesoamérica e Oceania com elementos da Era da Máquina.

A partir de 1925, muitas vezes foi inspirado pela paixão por novas máquinas, como aeronaves, automóveis e transatlânticos, e em 1930 essa influência resultou no estilo chamado Streamline Moderne.

Luxo e Modernidade

Art Deco foi associado ao luxo e à modernidade; combinou materiais muito caros e artesanato requintado, transformados em formas modernistas. Nada era barato no Art Deco: os móveis incluíam incrustações de marfim e prata e as jóias Art Deco combinavam diamantes com platina, jade e outros materiais preciosos. O estilo foi usado para decorar os salões de primeira classe de transatlânticos, trens de luxo e arranha-céus. Foi usado em todo o mundo para decorar os grandes palácios de filmes do final das décadas de 1920 e 1930. Mais tarde, após a Grande Depressão, o estilo mudou e ficou mais sóbrio.

Um bom exemplo do estilo de luxo do Art Deco é o boudoir da estilista Jeanne Lanvin, desenhada por Armand-Albert Rateau (1882-1938), feita entre 1922 e 25. Estava localizado em sua casa na 16, rue Barbet de Jouy, em Paris, que foi demolida em 1965. A sala foi reconstruída no Museu de Artes Decorativas de Paris. As paredes são cobertas com lambris moldados abaixo de baixos-relevos esculpidos em estuque. A alcova é emoldurada com colunas de mármore com bases e um pedestal de madeira esculpida. O piso é de mármore branco e preto e, nos armários, objetos decorativos são exibidos contra um fundo de seda azul. Seu banheiro tinha uma banheira e lavatório de mármore de sienna, com uma parede de estuque esculpido e acessórios de bronze.

Em 1928, o estilo havia se tornado mais confortável, com poltronas de couro profundo. O estudo desenvolvido pela empresa parisiense Alavoine para um empresário americano em 1928–30, agora no Museu do Brooklyn.

Na década de 1930, o estilo havia sido um pouco simplificado, mas ainda era extravagante. Em 1932, o decorador Paul Ruoud fez o Glass Salon para Suzanne Talbot. Apresentava uma poltrona serpentina e duas poltronas tubulares de Eileen Gray, um piso de lajes de vidro prateado, um painel de padrões abstratos em laca prata e preta e uma variedade de peles de animais.

Art Déco na Arquitetura

Arranha-céus

Arranha-céus americanos marcaram o auge do estilo Art Deco; eles se tornaram os edifícios modernos mais altos e mais reconhecíveis do mundo. Foram projetados para mostrar o prestígio de seus construtores através de sua altura, forma, cor e iluminação dramática à noite.

O American Radiator Building de Raymond Hood (1924) combinou elementos modernos góticos e deco no design do edifício. Tijolos pretos na fachada do edifício (simbolizando carvão) foram selecionados para dar uma idéia de solidez e para dar ao edifício uma massa sólida. Outras partes da fachada estavam cobertas de tijolos de ouro (simbolizando o fogo), e a entrada era decorada com mármore e espelhos pretos.

Outro arranha-céu Art Deco inicial foi o Detroit Guardian Building, inaugurado em 1929. Projetado pelo modernista Wirt C. Rowland, o prédio foi o primeiro a empregar aço inoxidável como elemento decorativo e o uso extensivo de desenhos coloridos no lugar de ornamentos tradicionais.

O horizonte de Nova York foi radicalmente alterado pelo edifício Chrysler em Manhattan (concluído em 1930), projetado por William Van Alen. Era um anúncio gigantesco de setenta e sete andares para os automóveis Chrysler.

A parte superior foi coroada por uma torre de aço inoxidável e foi ornamentada por “gárgulas” deco na forma de decorações de tampas de radiador de aço inoxidável. A base da torre, trinta e três andares acima da rua, foi decorada com frisos coloridos art déco, e o saguão foi decorado com símbolos e imagens art déco que expressavam modernidade.

O Chrysler Building foi seguido pelo Empire State Building por William F. Lamb (1931) e o RCA Building (agora 30 Rockefeller Plaza) por Raymond Hood (1933), que juntos mudaram completamente o horizonte de Nova York. Os topos dos edifícios foram decorados com coroas e pináculos Art Deco cobertos com aço inoxidável e, no caso do edifício Chrysler, com gárgulas Art Deco modeladas com ornamentos de radiadores, enquanto as entradas e os lobbies eram luxuosamente decorados com escultura Art Deco, cerâmica e design.

Edifícios semelhantes, embora não tão altos, logo apareceram em Chicago e em outras grandes cidades americanas. O Chrysler Building logo foi superado em altura pelo Empire State Building, em um estilo Deco um pouco menos luxuoso. O Rockefeller Center adicionou um novo elemento de design: vários edifícios altos agrupados em torno de uma praça aberta, com uma fonte no centro.

Origens

O estilo arquitetônico do art déco estreou em Paris em 1903 a 1904, com a construção de dois prédios de apartamentos em Paris, um de Auguste Perret na rue Benjamin Franklin e outro na rue Trétaigne de Henri Sauvage. Os dois jovens arquitetos usaram concreto armado pela primeira vez em edifícios residenciais de Paris; os novos edifícios tinham linhas limpas, formas retangulares e nenhuma decoração nas fachadas; eles marcaram uma ruptura clara com o estilo Art Nouveau. Entre 1910 e 1913, Perret usou sua experiência em prédios de concreto para construir o Théâtre des Champs-Élysées, 15 avenue Montaigne. Entre 1925 e 1928, ele construiu a nova fachada art déco da loja de departamentos La Samaritaine em Paris.

Após a Primeira Guerra Mundial, edifícios art déco de aço e concreto armado começaram a aparecer nas grandes cidades da Europa e dos Estados Unidos. Nos Estados Unidos, o estilo era mais comumente usado para edifícios de escritórios, prédios governamentais, cinemas e estações ferroviárias. Às vezes era combinado com outros estilos; A prefeitura de Los Angeles combinou o Art Deco com um telhado baseado no antigo mausoléu grego de Halicarnassus, enquanto a estação ferroviária de Los Angeles combinou o Deco com a arquitetura missionária espanhola. Os elementos Art Deco também apareceram em projetos de engenharia, incluindo as torres da Ponte Golden Gate e as torres de captação da Represa Hoover. Nas décadas de 1920 e 1930, tornou-se um estilo verdadeiramente internacional, com exemplos incluindo o Palácio de Bellas Artes (Palácio de Belas Artes) na Cidade do México por Federico Mariscal, a Estação de Metrô Mayakovskaya em Moscou e o National Diet Building em Tóquio por Watanabe Fukuzo.

O estilo Art Deco não se limitava a prédios em terra; o transatlântico SS Normandie, cuja primeira viagem foi em 1935, apresentou o design Art Deco, incluindo uma sala de jantar cujo teto e decoração foram feitos por Lalique.

Arte Déco Tardio

Em 1925, duas escolas diferentes coexistiram no Art Deco:

Os tradicionalistas, que haviam fundado a Sociedade de Artistas Decorativos; incluíam o designer de móveis Emile-Jacques Ruhlmann, Jean Dunard, o escultor Antoine Bourdelle e o designer Paul Poiret; eles combinaram formas modernas com artesanato tradicional e materiais caros.

Do outro lado, estavam os modernistas, que cada vez mais rejeitavam o passado e queriam um estilo baseado em avanços em novas tecnologias, simplicidade, ausência de decoração, materiais baratos e produção em massa. Os modernistas fundaram sua própria organização, a União Francesa de Artistas Modernos, em 1929. Seus membros incluíam os arquitetos Pierre Chareau, Francis Jourdain, Robert Mallet-Stevens, Corbusier e, na União Soviética, Konstantin Melnikov; a estilista irlandesa Eileen Gray e a estilista francesa Sonia Delaunay, os joalheiros Jean Fouquet e Jean Puiforcat. Eles atacaram ferozmente o tradicional estilo art déco, que eles disseram ter sido criado apenas para os ricos, e insistiram que edifícios bem construídos deveriam estar disponíveis para todos, e que essa forma deveria funcionar.

Para os modernistas, a beleza de um objeto ou edifício residia na adequação perfeita para cumprir sua função. Os métodos industriais modernos significavam que móveis e edifícios deveriam ser produzidos em massa, e não feitos à mão.

O designer de interiores Art Deco Paul Follot defendeu o Art Deco da seguinte maneira:

“Sabemos que o homem nunca se contenta com o indispensável e que o supérfluo é sempre necessário … Caso contrário, teríamos de nos livrar da música, das flores e das flores. perfumes! “

No entanto, Le Corbusier foi um publicitário brilhante da arquitetura modernista; ele afirmou que uma casa era simplesmente “uma máquina para se viver” e incansavelmente promoveu a idéia de que o art déco era o passado e que o modernismo era o futuro. As idéias de Le Corbusier foram gradualmente adotadas pelas escolas de arquitetura e a estética do Art Deco foi abandonada.

As mesmas características que popularizaram o Art Deco no início, seu artesanato, materiais ricos e ornamentos, levaram ao seu declínio. A Grande Depressão, que começou nos Estados Unidos em 1929 e alcançou a Europa logo depois, reduziu bastante o número de clientes abastados que podiam pagar pelos móveis e objetos de arte.

No clima econômico da Depressão, poucas empresas estavam prontas para construir novos arranha-céus. Até a empresa Ruhlmann recorreu à produção de móveis em série, em vez de itens artesanais individuais. Os últimos edifícios construídos em Paris no novo estilo foram o Museu de Obras Públicas de Auguste Perret (atual Conselho Econômico, Social e Ambiental da França) e o Palais de Chaillot de Louis-Hippolyte Boileau, Jacques Carlu e Léon Azéma e o Palais de Tóquio da Exposição Internacional de Paris de 1937.

Nas imagens acima e abaixo, está uma bela joia Art Déco restaurada que foi construída como uma casa particular no início da década de 1930 pelo arquiteto belga Michel Polak por iniciativa do Barão Louis Empain.

Após a Segunda Guerra Mundial, o estilo arquitetônico dominante tornou-se o Estilo Internacional, cujos pioneiros eram Le Corbusier e Mies Van der Rohe. Alguns hotéis Art Deco foi construído em Miami Beach após a Segunda Guerra Mundial, mas em outros lugares o estilo foi abandonado, exceto no design industrial, onde continuou a ser usado no estilo de automóveis e em produtos como jukeboxes.

Na década de 1960 experimentou um renascimento acadêmico modesto, em parte graças aos escritos de historiadores da arquitetura como Bevis Hillier. Na década de 1970, foram feitos esforços nos Estados Unidos e na Europa para preservar os melhores exemplos da arquitetura Art Deco, e muitos edifícios foram restaurados e reaproveitados.

A arquitetura pós-moderna, que apareceu pela primeira vez na década de 1980, assim como o Art Deco, geralmente adota características puramente decorativas.

O Deco continua a inspirar designers, e é frequentemente usado em moda contemporânea, jóias e produtos domésticos.

“Catedrais do Comércio”

As grandes vitrines do design de interiores Art déco eram os saguões de edifícios governamentais, teatros e, principalmente, prédios de escritórios. Os interiores eram extremamente coloridos e dinâmicos, combinando escultura, murais e design geométrico ornamentado em mármore, vidro, cerâmica e aço inoxidável.

Um exemplo inicial foi o Edifício Fisher em Detroit, de Joseph Nathaniel French; o lobby era muito decorado com esculturas e cerâmicas. O Guardian Building (originalmente Union Building) em Detroit, de Wirt Rowland (1929), decorado com mármore vermelho e preto e cerâmica de cores vivas, destacado por portas e balcões de aço altamente polidos. A decoração escultural instalada nas paredes ilustrava as virtudes da indústria e da economia; o edifício foi imediatamente denominado “Catedral do Comércio“.

Vídeo com algumas imagens do Edifício Fisher em Detroit:

Na França, o melhor exemplo de um interior Art Déco durante o período foi o Palais de la Porte Dorée (1931), de Albert Laprade, Léon Jaussely e Léon Bazin. O edifício (hoje Museu Nacional de Imigração, com um aquário no porão) foi construído para a Exposição Colonial de Paris de 1931, para celebrar o povo e os produtos das colônias francesas. A fachada externa era inteiramente coberta de esculturas e o saguão criava uma harmonia Art Déco com um piso de parquet de madeira em um padrão geométrico, um mural representando o povo das colônias francesas; e uma composição harmoniosa de portas verticais e varandas horizontais.

Abaixo, o incrível City Hall, Buffalo, NY, de 1931.

Acima, portas de 1925 ornamentadas com pavões, de  Louis Comfort Tiffany em Palmer Hotel, Chicago.

Decoração

A decoração no período Art Deco passou por várias fases distintas.

 

Entre 1910 e 1920, quando o Art Nouveau havia se esgotado, os estilos de design viram um retorno à tradição, particularmente na obra de Paul Iribe. Em 1912, André Vera publicou um ensaio na revista L’Art Décoratif, pedindo um retorno ao artesanato e aos materiais dos séculos anteriores, e usando um novo repertório de formas retiradas da natureza, principalmente cestas e guirlandas de frutas e flores.

Uma segunda tendência do Art Deco, também de 1910 a 1920, foi inspirada nas cores vivas do movimento artístico conhecido como Fauves e nos trajes e conjuntos coloridos dos Ballets Russes. Esse estilo era frequentemente expresso com materiais exóticos, como pele de tubarão, madrepérola, marfim, couro colorido, madeira lacada e pintada e incrustações decorativas em móveis que enfatizavam sua geometria. Esse período do estilo atingiu seu ponto alto na Exposição de Artes Decorativas de Paris de 1925.

No final dos anos 20 e durante os anos 30, o estilo decorativo mudou, inspirado em novos materiais e tecnologias. Tornou-se mais elegante e menos ornamental. Os móveis, como a arquitetura, começaram a ter arestas arredondadas e a adotar um visual polido e aerodinâmico, inspirado nos meios de transportes cada vez mais velozes. Novos materiais, como aço cromado, alumínio e baquelite, uma das primeiras formas de plástico, começaram a aparecer em móveis e decoração.

Durante todo o período Art Deco, e particularmente na década de 1930, os motivos da decoração expressavam a função do edifício. Os teatros eram decorados com esculturas que ilustravam música, dança e emoção; as empresas de energia mostravam o nascer do sol, o prédio da Chrysler exibia ornamentos estilizados no capô; Os frisos do Palais de la Porte Dorée, na Exposição Colonial de Paris de 1931, mostravam os rostos das diferentes nacionalidades das colônias francesas.

O estilo Streamline dava impressão do próprio edifício estava em movimento. Os murais da WPA da década de 1930 mostravam pessoas comuns; operários, trabalhadores dos correios, famílias e agricultores, no lugar de heróis clássicos.

Streamline Moderne

No final da década de 1930, uma nova variedade de arquitetura Art Deco se tornou comum; chamava-se Streamline Moderne ou simplesmente Streamline, ou, na França, o Style Paqueboat ou Ocean Liner.

Os edifícios no estilo tinham cantos arredondados e longas linhas horizontais; eles eram construídos em concreto armado e eram quase sempre brancos; e às vezes tinham características náuticas, como grades que se assemelhavam às de um navio. O canto arredondado não era totalmente novo; apareceu em Berlim em 1923 no Mossehaus de Erich Mendelsohn e mais tarde no Hoover Building, um complexo industrial no subúrbio de Perivale, em Londres.

Nos Estados Unidos, tornou-se mais estreitamente associado ao transporte; O streamline moderne era raro em edifícios de escritórios, mas era frequentemente usado em estações de ônibus e terminais de aeroportos, como o terminal no aeroporto de La Guardia, em Nova York, que administrava os primeiros vôos transatlânticos, por meio dos barcos voadores PanAm; e na arquitetura na estrada, como postos de gasolina e lanchonetes.

No final da década de 1930, uma série de lanchonetes, inspiradas em vagões de trem, foram produzidas e instaladas nas cidades da Nova Inglaterra; pelo menos dois exemplos ainda permanecem e agora são edifícios históricos registrados.

Os móveis surgidos ao final do Art Déco viriam a formar a base de todo o mobiliário produzido nas próximas décadas, já denominados sob o termo Mid-century Furniture, ou Mobiliário do Meio do Século. Móveis e utensílios de cantos arredondados, cores vivas, alguns com pés, que hoje conhecemos como “retrô”, típicos dos anos 50 até 80 nada mais são do que uma evolução do art déco.

Veja algumas casas construídas no estilo Streamline Moderne (Ocean Liner)

Veja outras imagens Streamline Moderne

Arte Déco no Brasil

A arquitetura Art Déco difundiu-se no Brasil entre os anos 1930 e 1940, antecipando elementos da arquitetura moderna das décadas seguintes. Os principais acervos Déco brasileiros concentram-se no Rio de Janeiro, São Paulo e Goiânia. Há, ainda, importantes exemplos em Campo Grande com a obra do arquiteto Frederico Urlass; Belo Horizonte e Juiz de Fora nos projetos do arquiteto Raphael Arcuri; Porto Alegre, na Avenida Farrapos, entre outros.

O Rio de Janeiro, no entanto, se destaca como a capital do Art Déco na América Latina, tendo cerca de 400 imóveis nesse estilo, além de várias obras de arte, dentre elas o próprio Cristo Redentor, a maior estátua Art Déco do mundo. Alguns dos exemplos mais significativo do Déco no Rio de Janeiro são a Torre do Relógio da Estação Central do Brasil, e o Edifício A Noite (1929), com 22 andares, que fica na Praça Mauá.

Outros espaços importantes são o Teatro Carlos Gomes (1932), o Edifício Mesbla (1934), a Associação Comercial do Rio de Janeiro (1937), o Cine Roxy (1938), o Tribunal Regional do Trabalho (1938), o Palácio Duque de Caxias (1942), e o Palácio da Fazenda (1943). O resgate dos temas indígenas, proposto pela Semana de Arte Moderna de 1922, ocorrido em São Paulo, influenciou o movimento Art Déco no Rio de Janeiro no que diz respeito aos prédios de apartamentos, sobretudo os que se concentram na região do Lido, em Copacabana, como o Itaoca (1928) ou os edifícios Itahy e Guahy (1932). O Circuito Art Déco das placas azuis do Patrimônio Cultural Carioca inclui alguns dos mais belos exemplos: o Edifício Brasília, na Avenida Presidente Wilson; o monumento ao Marechal Deodoro da Fonseca, na Praça Paris; e o Chafariz da Mulher com Ânfora, no Centro. Menos conhecidos, mais igualmente importantes são a Igreja de Santa Terezinha em Botafogo e a Igreja da Santíssima Trindade, no bairro do Flamengo, do arquiteto Henri Paul Sajous.

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São Paulo também tem grandes exemplos de prédios Déco, como o Edifício do Banco do Brasil, o Edifício Altino Arantes e diversas obras realizadas pelo arquiteto Rino Levi. O edifício-sede da Biblioteca Mário de Andrade e o Estádio do Pacaembu são dois grandes marcos arquitetônicos do estilo na cidade.

Goiânia também reúne grande número de exemplares de edifícios Art Déco. Foi o Déco que inspirou os primeiros prédios de Goiânia, nova capital de Goiás, projetada em 1933 por Attilio Corrêa Lima, cujo acervo arquitetônico é considerado um dos mais significativos do país. Ainda no estado de Goiás, no interior, Ipameri tem um grande patrimônio da arquitetura preservado, todo localizado no centro da cidade. Alguns exemplares que mais se destacam são o antigo prédio do Cine Teatro Estrela, o prédio da antiga sede do Banco do Brasil, o prédio-sede da Câmara Municipal, os prédios das antigas Chevrolet e Ford (Edifícios Firmo Ribeiro e Miguel David Cosac respectivamente), dentre outros.

O estilo influenciou artistas como o escultor Vítor Brecheret (1894-1955), o pintor Vicente do Rego Monteiro (1899-1970), além de outros. Uma obra de Brecheret em estilo Art Déco é o Monumento às Bandeiras, em São Paulo. Outros conjuntos arquitetônicos em Art Déco significativos estão localizados em Iraí (RS), Florianópolis (SC), Cipó (BA) e Campina Grande (PB).

Art Déco contemporânea

A construtora Embraed, de Balneário Camboriú, conhecida pelo esmero estético de seus edifícios, resgatou em um deles traços do art-déco novaiorquino.

O resultado da perspectiva 3D realmente ficou muito bem resolvido. Assim que estiver concluído, traremos imagens aqui.

Embora construído com as mais atuais tecnologias construtivas, a ornamentação Art-Déco se faz presente no coração da Avenida Brasil, a avenida comercial mais importante do Centro da cidade turística mais conhecida do Sul do Brasil.

Veja mais sobre o New York Apartments.

Saiba Mais

Wikipedia

Wikipedia (inglês)

Streamline Moderne (inglês)

Os incríveis Anos 20

Posters Art-déco

Referências

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Mídia

Abaixo, música de Lana Del Rey, com cenas do filme baseado na obra The Great Gatzby de 1925, de F. Scott Fitzgerald.